Nuestros 40 álbumes favoritos de 2023 hasta ahora

Apr 28, 2024

El verano está en pleno apogeo, estamos a mitad de 2023 y este año ya ha habido demasiada buena música como para seguirla (e incluso más de la que anticipamos). Redujimos nuestros muchos favoritos a una lista de los 40 álbumes que actualmente nos destacan más de este año, con discos que van desde el renacimiento disco eufórico hasta el hip hop pensativo, desde el hardcore transgresor hasta el death metal al estilo de la vieja escuela. desde bandas emergentes de indie rock hasta leyendas del indie y mucho más. No los clasificamos (lo guardaremos para fin de año), pero seguimos leyendo para ver la lista en orden alfabético.

Consulte también la lista de mitad de año de Indie Basement para conocer más selecciones de Bill.

Amaarae no solo es invitada en el nuevo álbum de Janelle Monáe, sino que también lanzó su propio álbum nuevo y tiene una picazón bastante similar. Es su segundo álbum y su debut con un sello importante, después de The Angel You Don't Know de 2020, y continúa donde lo dejó ese álbum diaspórico que desafía el género. Amaarae ha vivido en el Bronx, Nueva Jersey, Atlanta y Ghana a lo largo de sus 28 años, y está tan influenciada por los polirritmos ghaneses como por el pop, el hip hop y la música experimental estadounidenses. (Y como puedes escuchar en “Sex, Violence, Suicide Pt. 2”, garage punk lleno de vida). Todos esos sonidos se arremolinan en Fountain Baby, y el resultado es algo que suena como todo y ninguno de los anteriores a la vez. La forma más fácil de describir Fountain Baby es simplemente música pop experimental. Se trata de canciones pop divertidas y pegadizas que abordan temas como el sexo, la religión y el escapismo, y desafían la noción de cómo suenan las “canciones pop divertidas y pegadizas” en la corriente principal estadounidense. La producción abarca desde ritmos de club hasta afrobeats, la interpretación de Amaarae abarca desde arrullos con voces de helio hasta rap melódicos, y ella realmente nunca suena como nadie más en la música pop estadounidense o africana.

Anna B Savage tiene una voz, a la vez frágil y poderosa, que puede transmitir grandes emociones sin cantar una sola palabra. Sin embargo, en su segundo álbum, in|FlUX, Savage tiene mucho sobre qué cantar, y todo ello relacionado con asuntos del corazón. Estamos hablando de los niveles de pasión y emoción de Brontë, incluidas rupturas, reconciliaciones, lujuria o la emoción de una nueva relación y el desastre general en el que te puede dejar el amor. Anna hizo el álbum con Mike Lindsay de Tunng and Lump, quien trae su experiencia en mezclar lo orgánico y lo electrónico. Este es un álbum que suena maravilloso, que mezcla guitarra acústica, contrabajo y instrumentos de viento de madera con cálidos sintetizadores, un acompañamiento perfecto para la voz de Anna que a menudo suena como si estuviera cantada a cinco centímetros de tu oído. Este es el pop High Art que funciona mejor cuando alcanza lo más alto, como en la canción principal de in|FLUX que va desde lo íntimamente sonrojado hasta alturas vertiginosas mientras ella protesta, a través de capas de armonía y una voz principal perfectamente desquiciada, “Quiero ser solo/soy feliz solo/créanme”. Savage vende cada línea llena de emociones, ya sea incómoda, conmovedora o mortificante, y hace que cada segundo sea cautivador.

En un mundo donde compartir demasiado es la norma, el trío post-punk bar italia de Londres es un agradable retroceso a los días en los que a menudo no sabías nada sobre una banda excepto la música. No dan entrevistas, sus fotografías de prensa están cómicamente subexpuestas (otro descriptor: terrible) y casi no hay información oficial disponible. (Bar Italia es también el nombre de una canción de Pulp, que apuesto a que habrán escuchado, pero también es un verdadero bar de Londres. Estos tres están a un millón de millas del Britpop.) A menos que estés profundamente metido en la escena underground de Londres, es posible que No sabía que son una especie de supergrupo, con miembros de NINA y Double Virgo que se formaron durante la pandemia y lanzaron dos álbumes y un EP en rápida sucesión en el sello World de Dean Blunt antes de firmar con Matador Records para su tercer larga duración. . No importa, Tracey Denim es una maravillosa introducción al misterioso pero acogedor mundo del bar italia.

Al igual que sus señales visuales, la música de bar italia no sigue las convenciones normales. Nina Cristante, Jezmi Tarik Fehmi y Sam Fenton son todos intérpretes iguales, intercambiando voces sin casi ningún interés en cosas como los versos o los estribillos. Las canciones se sienten construidas usando el Cadáver Exquisito: un miembro comienza con un riff y una melodía y luego se lo pasa a otro que hace con él lo que quiere, y así sucesivamente. A veces, serpentea con una interacción vocal entretejida, mientras que otras veces, como en “Punkt!”, son tres viñetas distintas que usan la misma configuración en una canción. Sin embargo, ninguna de estas tendencias oscuras impide que bar italia haga música excelente y fácil de disfrutar. No faltan estribillos, y Cristante, Jezmi y Sam son vocalistas distintos que suenan muy bien juntos. La mayor parte de su música se esconde en las sombras con guitarras de araña y ritmos de jazz, lo que nos coloca en el mismo mundo que King Krule o Sorry, pero estos tres están mucho más en deuda con el mundo nerd del post-punk de OG, desde Young Marble Giants hasta Personalidades de la televisión. bar italia habría encajado en Rough Trade en 1980, pero aún suena como parte de 2023. En cuanto a quiénes son, la música habla muy alto.

Entre Armand Hammer y su carrera en solitario, el rapero neoyorquino Billy Woods lanza tanta música que varía de buena a excelente, por lo que no es fácil elegir un álbum favorito o un punto de entrada, pero su álbum de 2019, Hiding Places, producido por Kenny Segal, es allí arriba. Así que es muy emocionante que Billy y Kenny hayan vuelto a hacer un álbum completo juntos, Maps, en el que su química suena aún más fuerte. La producción experimental de Kenny rara vez suena como hip hop tradicional, y el vertiginoso lirismo de Woods encaja perfectamente. Tiene demasiadas frases ingeniosas y llamativas como para contarlas, y Maps tiene algunos de sus raps más melodiosos y memorables de los últimos tiempos. Al igual que Hiding Places, ELUCID, socio de Woods en Armand Hammer, aparece en este álbum, esta vez en dos canciones, y también cuenta con los compañeros de sello de Backwoodz, ShrapKnel, y algunos invitados importantes como Danny Brown, Aesop Rock y Quelle Chris, además de temas de Benjamin Booker y Future. Samuel T. Herring de las Islas. Sus voces distintivas ayudan a que el álbum fluya bien (y podrían ayudar a atraer a algunos nuevos oyentes), pero los nombres reconocibles son una ventaja adicional, no una muleta. Siempre son Woods y Kenny quienes dirigen el barco.

Muchos artistas comenzaron haciendo música rock a todo volumen y se volvieron más pop con el paso de los años; Sabrina Teitelbaum está haciendo todo lo contrario. Después de pasar unos años lanzando música electrónica para radio bajo el nombre de BAUM, se dio cuenta de que prefería explorar las guitarras grunge de Nirvana y Hole, y adoptó el apodo de Blondshell para su nuevo proyecto. Ella debutó el proyecto con el sencillo “Olympus”, que causó revuelo instantáneamente, en junio pasado, y continuó lanzando canciones igualmente buenas, todas las cuales ahora aparecen en su álbum debut homónimo. La influencia grunge es evidente en los explosivos clímax del álbum, pero Blondshell no se detiene en el resurgimiento de los 90. Ella aplica su inteligencia pop de maneras más sutiles y también aporta un elemento de cantante y compositor moderno que no está muy lejos del nuevo álbum de Boygenius. Su habilidad para los buenos ganchos se combina con su habilidad para las frases inexpresivas sobre televisión, sexo, terapia y otros sucesos cotidianos, y ella realmente sabe cómo transmitir estas canciones de una manera muy atractiva.

Cuando Phoebe Bridgers, Julien Baker y Lucy Dacus se unieron por primera vez como Boygenius, originalmente solo tenían la intención de hacer un 7 ″ para venderlo juntos en su gira de 2018. Una vez que comenzaron a escribir, lanzaron un EP más largo y ahora querido, y en los años siguientes, el trío continuó apareciendo en canciones juntos, incluidas pistas del álbum Petals For Armor de Hayley Williams de 2020, el álbum Punisher de Phoebe de 2020 , el álbum de Julien de 2021, Little Oblivions, y el álbum de Lucy de 2021, Home Video. Como sabemos ahora, una semana después de que Punisher saliera, Phoebe les envió una demostración a Julien y Lucy y les preguntó si el trío podría volver a ser una banda. Ese demo era de “Emily I'm Sorry”, una de las 12 pistas que componen el primer álbum de larga duración de Boygenius, The Record, que ya está disponible a través de su nuevo sello principal, Interscope Records. El trío ha demostrado tener una química muy natural a lo largo de los años, y eso continúa durante todo The Record. La voz distintiva y el estilo de composición de cada miembro brillan en varios puntos, y el disco siempre se lleva a otro nivel cuando los tres armonizan juntos. El disco está lleno del tipo de canciones indie folk maravillosamente íntimas que estos tres tienen fama de hacer, pero también tiene canciones de rock duro como “Satanist”, “Anti-Curse” y “$20”, la última de que es una rara canción de Boygenius con gritos. Y luego está “Not Strong Enough”, que no sólo recuerda a “Strong Enough” de Sheryl Crow; También es una canción tintineante de folk rock que suena como si pudiera haber sido un éxito para Crow en los años 90 o principios de los 2000. Es un disco sutilmente diverso y cuanto más lo escuchas, más canciones nuevas se destacan como posibles momentos destacados. Está lleno de ingeniosos giros de frase, sorpresas melódicas, tantas referencias a la cultura pop como sus sesiones de fotos recientes (incluidas canciones tituladas “Leonard Cohen” y “Revolution 0”) y todo el lirismo conversacional pero devastador que esperarías de estos tres.

Desire, I Want To Turn Into You es música pop en los propios términos de Caroline Polachek, que van desde el flamenco hasta el pop ambiental y una canción impulsada por breakbeats con Grimes y Dido. También es una de las mejores y más innovadoras músicas que jamás haya hecho. Lea nuestra reseña completa.

Danny Brown y JPEGMAFIA tienen reputación de hacer música rap ruidosa y errática, y sus dos colaboraciones en el álbum de Danny de 2019, uknowhatimsayin¿, fueron aspectos destacados importantes, por lo que la idea de un álbum colaborativo completo de estos dos sonaba perfecta. Y es tan perfecto en ejecución como en papel. Producido por JPEGMAFIA, el álbum abarca desde hiperpop hasta glitch, industrial, samples de soul volteados y más, y Danny y Peggy tienen una energía ilimitada mientras rebotan el uno en el otro con estos ritmos estridentes. La única aparición especial del álbum proviene de uno de los raperos más nuevos y emocionantes del momento, Redveil, quien proporciona “Kingdom Hearts Key” con su suave coda.

Living Proof no es sólo el nombre del excelente segundo álbum de la banda de hardcore de Santa Cruz Drain (y primero de Epitaph); es un mantra. Al estilo punk rock clásico de “cualquiera puede hacer esto”, Drain es la prueba viviente de que tú también puedes hacer esto si crees en ello, que los que te odian no pueden derribarte, que nadie puede impedirte ser tú mismo. “Estas son las palabras que desearía tener cuando más las necesitaba”, grita el vocalista (y ex baterista de Gulch) Sammy Ciaramitaro en la canción principal, que cierra el álbum. Drain no juega para los guardianes, los críticos o los turistas culturales; Tocan para los niños que necesitan una gran banda de hardcore como Drain en sus vidas. Con riffs de thrash y groove metal del guitarrista Cody Chávez, Drain son duros, pero no desagradables. Cualquiera a quien le importe esta mierda es bienvenido a un show de Drain, y los shows de Drain se están volviendo bastante populares últimamente. El ambiente es a la vez directo y totalmente divertido, como Living Proof, que equilibra su tono agresivo con obras de arte coloridas, calidez californiana y honestidad y vulnerabilidad en las letras de Sammy, ya sea que esté hablando de patear un alcohol. estilo de vida para uno más recto en “FTS (KYS)” o celebrando ser tu verdadero yo en “Imposter”. Como una forma de evitar que el álbum se estanque, Drain rompe su furia con un interludio de hip hop (dirigido por el rapero Shakewell, adyacente al hardcore) y una versión fiel y con voz limpia de “Good Good Things” de Descendents, las cuales encaja perfectamente en el contexto de la música de Drain. No abandonan lo que la gente amaba de su LP debut California Cursed, lanzado por Revelation Records, simplemente lo amplían, agregan algunas cosas nuevas y lo hacen aún mejor.

Escuche nuestro nuevo episodio de podcast con Sammy para obtener más información.

FUSE es el primer álbum de Everything But the Girl en 25 años, eso es prácticamente todo lo que podrías desear de un disco de EBTG en 2023. Han cubierto una gran cantidad de terreno musical en los últimos 40 años, desde bossa nova hasta Sophistipop y electrónica de vanguardia. música, pero básicamente continúan donde lo dejó Temperamental. Casi enteramente electrónico y en línea con todo lo que han hecho antes, el álbum logra encontrar nuevos caminos para explorar sin caer nunca en el territorio del “¿Cómo estáis, compañeros?”.

Durante más de 20 años, Feist ha publicado música genuinamente extraordinaria (cada álbum claramente diferente al anterior) y ha sonado como nadie en el mundo durante todo él. Su nuevo álbum Multitudes no es una excepción. Al igual que su predecesor de 2017, Pleasure, Feist of Multitudes suena libre de expectativas, convenciones y tendencias. Hay una guitarra acústica serpenteante con un micrófono cercano aquí y algo de percusión primaria allá. Algunos momentos están desarrollados, muy arreglados y producidos de manera inmaculada, y otros momentos se sienten íntimos y completamente sin pulir. Es un álbum que sólo podría venir de Feist; su voz y su estilo de composición siguen siendo fuertes, llamativos y completamente suyos.

“No venimos con un manual”, canta Karin Dreijer en “Looking for a Ghost” de su tercer álbum como Fever Ray, con una voz mutada por efectos que superan la percusión, como una muñeca mecánica de cuerda. El amor es extraño y se necesita mucho trabajo para mantenerlo encendido, un tema que recorre la totalidad de Radical Romantics. Si Plunge de 2017 fue Dreijer, recién salido y abrazando las maravillas del corazón, entonces este es el difícil trabajo de mantenerlo en marcha después de que las pasiones se hayan enfriado y las realidades de la vida vuelvan a filtrarse. Realidad es una palabra cargada en el mundo de Fever Ray, llena de voces distorsionadas y personajes inquietantes (aún más en sus videos), pero a pesar de todos los ruidos espeluznantes, Radical Romantics presenta muchas emociones humanas reconocibles en su núcleo. Amor, ira y todo lo demás, todo filtrado a través del estilo distintivo de Dreijer.

Por lo que todos sabían, Fireworks hizo una pausa al final de su gira de 2015, pero a puerta cerrada, estaban trabajando en su cuarto álbum, sin obstáculos por las exigencias de la gira o las expectativas de los sellos discográficos y los ciclos estándar de álbumes. En 2019, resurgieron con el sencillo “Demitasse”, una ambiciosa canción de art rock que mostraba un lado de Fireworks muy diferente al que se muestra en los discos de pop punk indie lanzados durante su lanzamiento inicial. Junto con el lanzamiento de la canción, anunciaron su nuevo álbum Higher Lonely Power, pero COVID llegó unos meses después y Fireworks una vez más se retiró del ojo público. En el otoño de 2022, The Wonder Years llevó a Fireworks de gira, marcando los primeros shows de la banda en siete años, y el día de Año Nuevo de 2023, finalmente desataron Higher Lonely Power, autoeditándolo en su propio sello Funeral Plant Collective con Menos de una advertencia de 12 horas y sin singles previos al lanzamiento.

“Demitasse” no está en el álbum, pero marcó el tono. Higher Lonely Power es un viaje de art rock a través de amplios arreglos de cuerdas, breakbeats, dream pop con sintetizadores y post-hardcore cáustico. Recuerda cualquier cosa, desde Age of Adz de Sufjan Stevens hasta Kid A de Radiohead, Neon Golden de The Notwist y los momentos más oscuros y artísticos de Arcade Fire, pero aún tiene la energía de una banda que proviene del mundo emo/punk y Todavía suena a fuegos artificiales. (Y para una comparación del mundo más emo/punk, me hace pensar en Nearer My God de Foxing). Mientras Fireworks se abre paso a través de estos impresionantes arreglos que cambian de forma, el vocalista Dave Mackinder lidia con el trauma cristiano, la muerte y las perspectivas cambiantes de los artistas que son nueve años mayores que la última vez que supimos de ellos, y los días en que los miembros de Fireworks se ofrecieron como voluntarios para que Pfizer probara nuevos medicamentos en ellos para poder ganar algo de dinero extra (“Desperté con miedo a morir cuando solíamos pensar que era divertido"). Es un álbum que necesita ser escuchado de principio a fin, un álbum donde ninguna pista individual podría brindarte el alcance completo de todo lo que Fireworks tiene para ofrecer aquí. (Aunque si tuviera que elegir una canción para darte al menos una idea de la creatividad ilimitada del álbum, probablemente diría "Jerking Off the Sky"). Es un álbum tan amplio y meticulosamente arreglado que realmente puedes imaginarte el gasto de Fireworks. los últimos nueve años logrando que cada pequeño detalle fuera correcto, y la espera valió la pena. Higher Lonely Power es tan extraordinario que, en comparación, clásicos de culto como Gospel de 2011 parecen calentamientos.

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Frozen Soul de Fort Worth, TX tomó por asalto el mundo del death metal con toques hardcore con su demo de 2019 y luego su LP debut de 2021, Crypt of Ice, por lo que no hace falta decir que se ha esperado mucho un seguimiento. Esa anticipación solo aumentó cuando supimos que Frozen Soul reclutó algunas caras conocidas para ayudarlos a lograr su visión en Glacial Domination, incluido el coproductor Matt Heafy de Trivium, los vocalistas invitados John Gallagher de Dying Fetus y Reese Alavi de Creeping Death, y el guitarrista invitado. Blake Ibanez de Power Trip y Fugitive, y ahora el récord está aquí y cumple y supera las expectativas. Tiene todo lo bueno del debut, pero es más grande y mejor en todos los sentidos. Funciona en interludios de sintetizador inspirados en John Carpenter, todo se siente más contundente y más cuidadosamente elaborado, y se siente menos limitado a un subgénero específico que Crypt of Ice sin apartarse del autodenominado "death metal de escuela fría" de la banda. Como muchos álbumes de death metal, Glacial Domination tiene una buena dosis de absurdo, pero también tiene un lado muy personal y serio. El hermano menor del vocalista Chad Green, Cory, falleció trágicamente mientras Frozen Soul escribía el álbum, y ese dolor se manifestó en las letras de estas nuevas canciones, en particular “Death and Glory” y “Arsenal of War”, ambas escritas por Chad con aportes. de su otro hermano, Josh, quien también canta en ambas pistas. "Escribir este disco me ayudó a afrontar la pérdida, especialmente escribir letras con mi hermano Josh", dijo Chad. “Hubo momentos mientras hacía este disco en los que no pensé que iba a poder superarlo. Afortunadamente, tenía a mi banda y a mi familia para apoyarme”. Chad también agrega que el “espíritu de Cory está en todo este disco” y puedes sentirlo en su forma de expresarse. Especialmente en las canciones que tratan directamente sobre su hermano, grita con el tipo de pasión que sólo puedes aprovechar cuando el tema es tan cercano a casa.

La canción del debut completo de la banda de hardcore de Nueva Jersey, Gel, que parece estar a punto de hacer que la mayoría de la gente hable es la que no es una canción adecuada en absoluto. “Calling Card” es un interludio atmosférico compuesto por mensajes de voz de fans. Uno de ellos dice "hardcore para los jodidos freaks", una frase que se ha convertido en el eslogan de facto de Gel. “Desde el comienzo de Gel, nunca, a falta de un término mejor, nos unimos al mundo del hardcore en general”, dijo el guitarrista Anthony Webster en un artículo reciente de Stereogum. “Especialmente ahora, después de COVID, hay muchos jóvenes nuevos y mucho rechazo contra esos nuevos niños por parte de voces en el espacio incondicional más amplio. Y simplemente no quiero ser esa persona que los aleja. Así que supongo que todo el asunto del hardcore para los monstruos lo adoptamos en 2019, y realmente se siente completamente cierto ahora”.

Gel se formó en 2018, con tres miembros que habían tocado anteriormente en la banda Sick Shit, de tendencia powerviolence, y gradualmente ascendieron, con una serie de demos, EP, promociones y tantos shows en vivo cada vez mejores como pudieron tocar. Las cosas realmente comenzaron a despegar cuando el mundo comenzó a salir del encierro, con Gel generando más expectación que nunca por su EP Violent Closing de 2021 y su separación de 2022 con Cold Brats, y ahora Only Constant llega como la culminación de todo lo que Gel había sido. trabajando hacia. “Hardcore for the freaks” lo describe perfectamente; hay algo de psicodelia de garage, hay punk crudo, hay hardcore, hay un ritmo de baile, hay melodía a pesar de que el vocalista Sami Kaiser siempre suena como si estuviera destrozando sus cuerdas vocales. Sólo Constant suena antagónico, pero Gel es completamente acogedor. Hay algo allí para tantos tipos diferentes de fanáticos incondicionales, y a medida que los shows de Gel siguen creciendo, hay espacio para que todos los fanáticos se reúnan en el foso.

Home Is Where's I Became Birds es un álbum único y breve de seis canciones que salió en marzo de 2021 y se convirtió en el lanzamiento revolucionario de la banda gracias a una cantidad cada vez mayor de entusiasmo de boca en boca que existía principalmente fuera de lo habitual. plataformas de máquinas exageradas. Poco después de su lanzamiento, el líder de la banda Brandon MacDonald sufrió un ataque de nervios y fue entonces cuando se le ocurrió la idea de The Whaler. La banda lo llama un “disco conceptual sobre acostumbrarse a que las cosas empeoren”, y Brandon agrega: “Dado que Birds es tan personal e introvertido, para este quería que se tratara menos de mí y más de cómo una persona navega por esto”. mundo infernal postmoderno y capitalista tardío que hemos construido a nuestro alrededor. Pero todavía hay algo personal en eso, aunque sea mucho más externo”.

A lo largo de las 10 canciones del álbum, The Whaler recuerda cualquier cosa, desde Neutral Milk Hotel hasta Fugazi y pageninetynine, a menudo dentro de la misma canción. Está unido por interludios musicales y temas y letras recurrentes, con sentimientos que van desde cuestionar las creencias religiosas (“Un dios omnisciente no sabe lo que es no saber nada en absoluto”) hasta procesar tragedias nacionales (“Y en 12 de septiembre de 2001, todos volvieron a trabajar”) a una canción donde una imagen de Dale Earnhardt empujando un carrito de compras se convierte en una metáfora del fin del mundo. Es un álbum lleno de canciones que te toman por sorpresa incluso después de escucharlas varias veces, como cuando “Lily Pad Pupils” construye un puente entre el polvoriento country alternativo y el skramz disonante y luego pasa a “¡Sí! ¡Sí! ¡Mil veces sí!”, la canción más pop y extraña del álbum. Hicieron el álbum con Jack Shirley, a quien Brandon llama su “productor contemporáneo favorito”, particularmente por el trabajo de Jack con Jeff Rosenstock y Deafheaven, y Home Is Where han logrado convertirse en una banda que tendría sentido en una gira con cualquiera de ellos. artistas. A veces, The Whaler se convierte en música extrema con un grito áspero, otras veces en un imponente post-rock, otras veces en un folk rock alegre y pegadizo. En todo momento, Brandon canta sobre temas que se sienten reales, auténticos y deprimentes, y me imagino que es ampliamente identificable para cualquiera que haya perdido la esperanza de un mundo mejor.

Si la frase “emo de quinta ola” significa algo para ti, entonces Hot Mulligan probablemente ya sea un nombre muy conocido en tu casa, pero si no lo es, deja que Why Would I Watch sea tu introducción a esta gran banda. Es su mejor álbum hasta el momento y tiene el poder de trascender los rincones especializados del emo y el pop punk que Hot Mulligan ha ocupado estos últimos años. Tiene los enormes y dulces ganchos del pop punk, pero Hot Mulligan los ataca con agallas post-hardcore. El vocalista Tades Sanville siempre está a punto de gritar, incluso cuando Hot Mulligan está en su momento más pegadizo, y en cada canción esta banda se balancea hacia las vallas, tocando lo más fuerte posible, con la intención de ganarse a cualquiera que esté escuchando. Dentro de esos ganchos desgarradores hay algunos temas genuinamente pesados ​​que van desde la adicción a la muerte, pasando por problemas familiares, ansiedad severa y culpa cristiana internalizada, y Hot Mulligan canta cada canción como lo dice en serio. Los compañeros de gira recientes, The Wonder Years, son una comparación fácil de hacer: ambas bandas mezclan melodías descaradamente pop con emoción intensamente cruda, pero Why Would I Watch también toma algunos desvíos emocionantes de ese sonido, como con “This Song Is Called”, al estilo del fútbol americano. It's Called What It's Called” y la rudimentaria pista acústica “Betty”. E incluso cuando Hot Mulligan baja el tono, son tan deslumbrantes como cuando gritan con todo el corazón.

Para obtener más información sobre este LP, lea el desglose pista por pista de la banda.

La rapera del Bronx Ice Spice y su productor RIOTUSA comenzaron a lanzar sencillos juntos en 2021 y conquistaron el mundo del rap con “Munch (Feelin' U)” de 2022. Con la calma de Ice Spice y la capacidad de convertir una línea inteligente en un gancho clásico instantáneo, “Munch” le dio un nuevo giro al sonido de perforación de Nueva York que ha estado dominando la ciudad durante los últimos años, y rápidamente se convirtió en el estilo de Nueva York. Canción de rap del verano. Ice Spice demostró que no fue una casualidad, y lo siguió con “Bikini Bottom” e “In Ha Mood”, que repitieron con éxito la misma fórmula y se ganaron la creciente base de fans de Ice Spice tan rápido como lo había hecho “Munch”. Hoy sigue esas canciones con su primer proyecto, Like..? EP, que incluye los tres sencillos recientes y tres canciones nuevas, producido íntegramente por RIOTUSA. Ella mantiene su característico giro en el ejercicio con “Princesa Diana”, pero ¿Te gusta...? También descubre que Ice Spice está empezando a coquetear con otras ideas. Ice Spice recluta a Lil Tjay para una canción que lleva el nombre del fallecido Gangsta Boo y muestra el sencillo de P. Diddy de 2002 "I Need a Girl Part 2", y encuentra a Ice Spice mezclando su sonido habitual con un poco de nostalgia de la era Y2K. En “Actin A Smoochie” RIOTUSA ofrece una producción más lenta y atmosférica que podría encajar en un disco de Drake de principios de 2010, y Ice Spice combina el ambiente con algo un poco más sentimental. Con seis canciones en 13 minutos, comenzar con un EP en lugar de pasar directamente a un álbum o mixtape parece una buena decisión. El formato breve es perfecto para las canciones cortas y contundentes de Ice Spice y Like...? insinúa que ella es capaz de hacer más de lo que ya nos había mostrado sin alejarse demasiado de su fórmula ya ganadora. Tengo mucha curiosidad por saber qué hace cuando llega el momento de grabar un largometraje, pero por ahora, ¿te gusta...? Se siente como una presentación ordenada y sencilla de un rapero que claramente tiene algo que decir.

El rapero ICECOLDBISHOP del centro sur de Los Ángeles ha ido en ascenso desde hace algunos años, habiendo colaborado con artistas como slowthai, Rico Nasty, Denzel Curry, Boldy James y más, y ahora finalmente lanzó su álbum debut, Generational Curse. A lo largo del álbum, demuestra ser un rapero extremadamente carismático, que suena como un cruce entre los tres Flatbush Zombies y Kendrick Lamar en su forma más teatral, y el aire de desesperación en su voz realmente coincide con el tema. La muerte trágica aparece en todo momento en Generational Curse, ya sea por adicción a las drogas o por tiroteos, y ICECOLDBISHOP a menudo suena como si estuviera lidiando con el dolor en tiempo real. Como tantos grandes raperos antes que él, es un narrador nato, capaz de abrir los ojos del mundo a la pobreza, la violencia y el racismo institucional que plagan barrios como el de Bishop en el que creció. Lo hace con el nivel de dominio de una persona que te mira directamente a los ojos todo el tiempo, y su oído para ritmos, melodías y arreglos es tan apasionante como sus sombrías historias.

La banda de hardcore de California Initiate sonaba como si estuvieran repletas de ideas en su EP Lavender de 2020, y todo explota en su nuevo larga duración Cerebral Circus, uno de los LP de hardcore más singularmente atractivos que he escuchado en todo el año, y es Ha sido un gran año para el hardcore. Cerebral Circus está lleno de ideas de salto de género que Initiate lleva a cabo de manera increíblemente natural. En “Waste Your Life”, las guitarras power pop contundentes conducen directamente al hardcore. “Amend” ofrece un toque shoegazy en una ruptura de metal duro antes de girar hacia el vocalista Crystal Pak gritando sobre guitarras delicadas con baladas de una manera que recuerda al grito de los 90. “The Surface” pasa de un duro golpe al piso a un estribillo de rock alternativo melódico y altísimo sin perder un paso. El tema de cierre, “Transparency”, es una miniepopeya post-hardcore con infusión de post-rock que encajaría en un álbum de Touché Amoré. Hay tanta variedad, profundidad y hermosa agresión en este álbum, y todo se combina de una manera más grandiosa de lo que una o dos de estas canciones podrían haber sugerido por sí solas.

Janelle Monáe está en su era del placer. La versión con las tetas afuera de Janelle que hemos visto durante todo el lanzamiento de The Age of Pleasure tiene un aspecto muy diferente al andrógino Afrofuturista de ciencia ficción inspirado en Prince que adornó la portada del clásico instantáneo debut de Janelle en 2010, The ArchAndroid. y la nueva apariencia se refleja en la música. En La era del placer, Janelle es más ambiciosa y salta de género como siempre, pero de una manera que se siente más relajada, más libre y más explícitamente eufórica que nunca. "Quiero que sea tan específico para este público panafricano que son mis amigos", le dijo a Zane Lowe en Apple Music 1. "Quiero que sea una carta de amor a la diáspora". Eso es exactamente lo que es La Era del Placer. Se abre con “Float”, una dosis triunfante de funk-trap con instrumentos de trompeta que presenta a Seun Kuti y Egypt 80, la antigua banda del padre de Seun, Fela, pionero del afrobeat, y la canción introduce temas y motivos que se repiten a lo largo del disco. Janelle también explora los ritmos afrobeats en “Phenomenal”, “Know Better” y “Paid In Pleasure”; reggae clásico en “Lipstick Lover” y “Only Have Eyes 42”; R&B experimental en “The Rush”; y más. Ella adorna la lista de canciones con interludios que ayudan a unir todo, y atrae invitados que provienen de todos los diferentes senderos musicales de la diáspora: además de Seun Kuti & Egypt 80, está el enloquecido rapero y cantante de Tampa Doechii, pop ghanés-estadounidense. la experimentalista Amaarae, la estrella nigeriana de Afrobeats CKay, la leyenda del dancehall Sister Nancy y la única Grace Jones. Puedes escuchar cómo todos sus respectivos estilos influyeron en este álbum, y es un placer saber que Janelle no solo está obteniendo influencias de todo el mundo, sino que también trabaja con artistas de todo el mundo.

Es sorprendente pensar que, más de 20 años desde que Jason se unió por primera vez a Drive-By Truckers y 10 años desde que lanzó su exitoso álbum en solitario Southeastern, Jason todavía está buscando algo creativo, todavía tratando de escribir mejores canciones que las que escribió la última vez o la última vez. vez antes y lo hemos conseguido. Cada álbum de Jason Isbell es un retrato honesto de dónde se encuentra en ese momento de su vida, y es por eso que cada álbum de Jason Isbell aporta algo que los demás no pueden. Las veletas no son una excepción. Lea nuestra reseña completa.

El álbum de Jessie Ware de 2020 ¿Cuál es tu placer? fue uno de los lanzamientos clave en el actual resurgimiento del disco/house junto con discos de Roisin Murphy y Beyonce. Fácilmente podría haber llamado a su alegre continuación Pleasure Too, pero se las arregló para encontrar un título aún mejor y más atrevido. "He dejado de lado años de ansiedad, síndrome del impostor y toda esa inquietud y sensación de que no soy lo suficientemente bueno", dice Ware. "No es necesariamente más grande o mejor que el último álbum, se trata más de subir el volumen y encarnar ese ritmo real, profundo, sexy y sangriento". Trabajando con James Ford y Stuart Price de Simian Mobile Disco (Les Rythmes Digitales, Pet Shop Boys), ¡Eso! ¡Se siente bien! es un crucero de placer sin escalas (incluso hay una canción que recuerda el tema de The Love Boat) y mezcla vertiginosamente el clásico funk, disco y tropicalia de los 70 con new wave/electro de los 80, house de los 90, R&B y French Touch, y casi cualquier cosa. otra cosa que se adapte a sus gustos. La diversión está a la orden del día y se ofrece en 10 temas de baile divertidos y magníficamente producidos que son partes iguales de groove, barrido y melodía con guiños a todos, desde Gloria Gaynor hasta Madonna (aunque el acento británico de Ware es real). Si no lo estás pasando bien escuchando este maravilloso disco, toma tu pulso.

La cantante y compositora de Nueva York Joanna Sternberg ya había hecho fanáticos de personas como Phoebe Bridgers, Conor Oberst y Jeff Tweedy gracias a su álbum de 2019 Then I Try Some More, y firmaron con Fat Possum para su seguimiento, I've Got. A mí. Joanna tocó todos los instrumentos en el álbum, que marca su debut discográfico como arreglista de cuerdas, baterista y guitarrista eléctrica, y diseñaron la portada (como también lo habían hecho en el pasado). Fue producido por el guitarrista de Chávez/Zwan Matt Sweeney. Con la estrecha participación de Joanna en tantos aspectos de la creación del álbum, es natural que suene como un documento tan intensamente personal, y van un paso más allá en cuán identificables hacen sus mensajes sinceros y profundamente sentidos. Fueron a la escuela de jazz y pasaron años tocando en la comunidad del jazz, pero las canciones crudas e íntimas de I've Got Me están en la órbita del anti-folk, el folk freak y el pop de dormitorio. Narradas con la voz única de Joanna, estas son canciones que parecen haber salido en cualquier momento de las últimas décadas, que se destacan de las tendencias pasajeras, lo cual fue muy intencional. "Eso es lo que quiero hacer", dijo Joanna en una entrevista con Sam Sodomsky para Pitchfork. "Quiero que cualquiera pueda conectarse con las canciones, sin importar la edad ni nada".

La cantante y compositora Kara Jackson, radicada en Chicago, ha recibido numerosos elogios por su poesía en los últimos años, incluido el nombramiento de Poeta Laureada Nacional Juvenil de EE. UU. en 2019. Aporta el mismo rico lirismo y sentido narrativo a la composición de su debut completo. -álbum de larga duración, donde fascinantes historias de amor y pérdida se combinan con música folklórica en la gran tradición del género. Los artistas de Chicago NNAMDÏ, Kaina y Sen Morimoto trabajaron con ella para volver a grabar los demos que había hecho en el dormitorio de su infancia durante los primeros días del encierro por Covid, asegurándose de que las texturas de la música siguieran el ritmo de sus expertos y memorables giros. frase. Canciones como “free” y “rat” son mini-odiseas con poderosas historias empapadas de melancolía, pero los temas más cortos como “recognized” y “therapy” impactan igual de fuerte.

Kelela se toma su tiempo. Desde que arrasó en el mundo a principios de la década de 2010 como vocalista invitada en temas electrónicos de artistas como Teengirl Fantasy, Kingdom y Daedelus, solo ha lanzado un mixtape, un EP y un álbum de larga duración, además de algunos álbumes independientes. sencillos y remezclas. Pero cada vez que sale, siempre vale la pena esperar, y Raven, su segundo álbum y su primera música nueva en casi seis años, no es una excepción. El álbum fue escrito, arreglado y producido por Kelela, junto con el coproductor ejecutivo Asmara de Nguzunguzu, y la mayor parte de la producción provino de LSDXOXO, el dúo ambiental OCA y Bambii, un equipo muy unido que ayudó a Kelela a hacer exactamente el álbum que quería hacer, sin preocuparse por las expectativas de fuerzas externas como el capitalismo y la cultura de la supremacía blanca. Kelela llama al álbum “una afirmación de la perspectiva de la mujer negra en medio del borrado sistémico y el sonido de nuestra vulnerabilidad convertido en poder”, y lo logra con una notable fusión de R&B, música dance y música ambiental. Se siente como una progresión natural de su trabajo anterior, y hoy se siente tan atrevido y futurista como lo fue su mixtape debut Cut 4 Me hace diez años. En Raven, Kelela no parece preocupada por escribir otro “LMK”, el sencillo principal pop de su álbum anterior Take Me Apart. Eso no quiere decir que Raven no tenga sus éxitos, pero es un álbum aún más íntimo y atmosférico que su predecesor, e incluso sus canciones más pegadizas y alegres exploran el lado experimental de Kelela. La producción es amplia e innovadora, y Kelela ha mejorado aún más de lo que ya era a la hora de entrelazar su voz altísima dentro y fuera del ritmo. Kelela se benefició de llegar en un momento en el que la encrucijada entre la música indie, la electrónica y el R&B era un lugar de moda, pero Raven afirma que Kelela no es una vanguardista. Realmente no suena como ninguno de los grandes discos de R&B de los últimos tiempos, y con una música tan creativa y refrescante, Kelela está mejor así.

Para citar a Billie Eilish, Lana Del Rey allanó el camino para todos. Su versión, alguna vez polarizadora, de la música pop alternativa cambió la forma en que muchos artistas abordaban su música, desde gigantes ya establecidos como (la reciente colaboradora de Lana) Taylor Swift hasta estrellas en ascenso más recientes como Billie. Y cuanto más influyente se vuelve, más parece su propia música alejarse de las expectativas comerciales. “Con este álbum, la mayoría son mis pensamientos más íntimos”, dijo Lana mientras hablaba con Billie Eilish en la misma entrevista de la revista Interview de donde surgió la cita de Billie. Lana se ha estado moviendo hacia un estilo de composición más personal desde hace algunos álbumes, y realmente se inclina hacia él con ¿Sabías que hay un túnel bajo Ocean Blvd? El álbum es en gran medida tranquilo y minimalista, con baladas de piano y cuerdas que preparan el escenario para un lirismo de flujo de conciencia en la gran mayoría de estas canciones. Y luego están los valores atípicos, como “Peppers”, de tendencia hip hop, con Tommy Genesis, “The Grants”, de tendencia gospel, y “Let the Light In”, un encantador dueto folk al estilo de Laurel Canyon con el padre John Misty. El álbum termina con una repetición del destacado “Venice Bitch” de Norman Fucking Rockwell. (También hay una canción en la que el famoso pastor Judah Smith pronuncia un sermón de cuatro minutos y medio, y no sé si dejaré que termine cada vez que escucho el álbum, pero el kilometraje puede variar). un álbum donde Lana suena como si estuviera haciendo lo que le da la gana, una frase que básicamente describe múltiples álbumes de Lana Del Rey en este momento. En un sentido más amplio, sabes lo que obtendrás de este álbum, pero en un nivel más micro, Ocean Blvd encuentra muchas maneras de sorprenderte.

Ravenna Hunt-Hendrix ha estado desafiando los límites y el purismo del black metal desde el inicio de Liturgy, e incluso con la expectativa de que el nuevo álbum doble de la banda, 93696, haga exactamente eso, este nuevo y colosal proyecto todavía emociona y sorprende de maneras que se sienten casi discordantemente frescas. . Fiel a su nombre, el black metal tradicional invoca literalmente visiones de oscuridad, pero Hunt-Hendrix utiliza trucos familiares de black metal para hacer música que suene tan brillante y tecnicolor como la portada del álbum de 93696. Junto con la formación actual de Liturgy formada por el guitarrista Mario Miron, la bajista Tia Vincent-Clark y el baterista Leo Didkovsky, 93696 encuentra a Hunt-Hendrix aportando arreglos de cuerdas, un coro de niños, electrónica art rock y más para impulsar la música en todo tipo de inesperados. direcciones. Ella dice que su objetivo era hacer que este álbum "sonara más punk y clásico que metal", y ese objetivo se refleja en las elecciones de producción y arreglos del álbum, que rara vez se sienten típicas del metal (o de cualquier otro estilo de música). ). Los sencillos del álbum incluían una canción de 15 minutos que cambiaba de forma, así como una canción que no presenta nada más que un canto coral a capella sin palabras, y esas pistas tienen aún más sentido dentro del contexto de este álbum. Es un verdadero viaje de álbum, uno que puede ser asombroso, eufórico y antagónico a la vez.

El histórico artista outsider Lonnie Holley comenzó su carrera como pintor y escultor a fines de la década de 1970, y comenzó a hacer música a mediados de la década de 2000, lo que terminó atrayendo la atención de la comunidad del indie rock. Firmó con el sello independiente Jagjaguwar para MITH de 2018, y este año, tras el lanzamiento en 2020 del EP National Freedom (grabado en 2014 con Richard Swift) y un álbum colaborativo de 2021 con Matthew E. White, Lonnie lanzó su segundo álbum propiamente dicho para Jagjaguwar. , y este está repleto de invitados de la comunidad de la música independiente. Bon Iver, Michael Stipe de REM, Sharon Van Etten, Moor Mother y Jeff Parker, junto con la artista maliense Rokia Koné, ayudan a Lonnie mientras él cuenta historias de dificultades personales, como crecer en la pobreza en el Jim Crow. South y siendo golpeado en el centro correccional de menores de Mount Meigs. Su entrega cansada del mundo a menudo desdibuja la línea entre el canto y la palabra hablada, y crea un contraste notable con las voces familiares de sus invitados. Realizadas en colaboración con el productor Jacknife Lee (REM, U2, Bloc Party, etc.), las historias de Lonnie están respaldadas por un telón de fondo informado por el jazz, la música ambiental, la vanguardia y más, llevándote a un viaje que es a la vez de otro mundo. e inspirador. Desafía las convenciones de la música popular moderna y al mismo tiempo crea canciones muy especiales que se sienten frescas e innovadoras.

¿Qué es Mandy, Indiana? Específicamente son un grupo de Manchester, Inglaterra, que originalmente se llamaba Gary, Indiana, pero luego lo cambió, tal vez para alejarse de la gente que mencionaba a The Music Man, pero también para darles un sentimiento más abstracto. El nombre evoca un recuerdo medio olvidado, uno que surge inesperadamente y que nunca podrás precisar. Mandy, la música de Indiana también se siente como un lugar: inquietante, extraña, magnética, peligrosa, emocionante, esquiva. Son una banda de guitarras que no tocan acordes, una banda electrónica que sólo ocasionalmente quiere que bailes, pero presentan un cuadro vívido con su música que a menudo es inquietante y conflictiva. He visto una manera, su álbum debut, pone la banda sonora a un infierno post-apocalíptico salpicado de fábricas abandonadas y viviendas gubernamentales en ruinas. Algunas canciones suenan como si estuvieran tocando en el extremo opuesto de un almacén interminable donde el ruido industrial hace eco en el ambiente. En otros lugares, todo es liberación, con láminas de ruido blanco abrasador y la cantante Valentine Caufield, que tiene experiencia en ópera, gritando, lamentándose y susurrando, todo en su francés nativo, pero su discurso no necesita traducción. Todo es convincente, pero son las canciones con ritmo (el pavoneo iluminado con luces de neón de “The Driving Rain (18)”, el bam-thwok de “Pinking Shears”, el tema tecno hirviendo de “Injury Detail”) las que permanecen. contigo más tiempo.

En su primer álbum de larga duración, Militarie Gun se expande audazmente desde sus raíces incondicionales, da un gran salto adelante con respecto a sus ya excelentes EP y lanza uno de los mejores álbumes de rock del año. Tenemos un artículo extenso con mucho más sobre este notable LP.

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La nostalgia tiende a transcurrir en ciclos de 20 años, lo que significa que mediados de los años 2000 están de vuelta y, como alguien que estaba en Nueva York en ese momento y tiene buenos recuerdos de esos días, estoy aquí para ello. Al menos algo de eso, como mi alquiler en aquel entonces y mi audición. Model/Actriz, que en realidad han sido parte de la franja de Nueva York durante la mayor parte de una década, parece que podrían haberse mantenido firmes en 2003, con una feroz variedad de technopunk artístico que suena como si hubiera sido forjado en un lugar abandonado. Fábrica de acero oxicorte. Los tambores disparan como martillos neumáticos, una ametralladora de bombos, las guitarras cortan trozos de metal como un cuchillo caliente a través de mantequilla, y el cantante Cole Haden gime líneas como "¡Recuerdo las espinas destrozando mis palmas!" Dogsbody, su álbum debut, se alimenta de una energía nerviosa e implacable que rara vez cesa durante su intensa, oscura y mortalmente seria duración de 38 minutos. El único respiro es “Sun In”, bastante más cercano, y se te podría perdonar que pensaras que fue el algoritmo que saltó a otro artista una vez terminado el álbum. Dogsbody no es exactamente “divertido”, pero es catártico y, al igual que los grupos en los que se siente inspirado (Liars, Lightning Bolt, Black Dice, !!!), probablemente se experimente mejor en vivo y a todo volumen en un club lleno de sudor, con luces estroboscópicas y máquinas de humo. En lugar de eso, escucha Model/Actriz tan alto como puedas.

Provenientes de Hattiesburg, Mississippi, MSPAINT no proviene de uno de los lugares de música popular, no está respaldado por uno de los grandes sellos discográficos creadores de tendencias y no está en sintonía con casi todas las tendencias que ocurren en la música en este momento, pero Quienes se han aferrado a la banda están de acuerdo: MSPAINT es algo muy especial. "Cuando escuché 'Hardwired' por primera vez, sentí como si me hubieran contado un secreto, como un éxito no descubierto", dijo el vocalista de Militarie Gun, Ian Shelton, refiriéndose a la canción de apertura del EP debut homónimo de 2020 de la banda. Desde entonces, Ian formó una relación cercana con la banda; Militarie Gun los llevó de gira y colaboró ​​con ellos, e Ian coprodujo su álbum debut Post-American junto a Taylor Young, y canta un verso en la canción destacada "Delete It". El álbum tiene otro vocalista invitado en “Decapitated Reality”, Pierce Jordan de Soul Glo.

Como lo demuestran sus colaboradores, compañeros de gira y sello discográfico, MSPAINT ha sido acogido por la escena hardcore, pero ellos mismos no son una banda hardcore. De hecho, la banda sostiene que las únicas discusiones preliminares que tuvieron sobre cómo sonaría MSPAINT es que no usarían guitarras. No es que la narrativa de “una banda de rock se deshaga de las guitarras” sea algo nuevo, pero MSPAINT lo hace de una manera diferente a cualquier otra banda que se me ocurra. Rechazando el canal del rock que se convierte en sintetizador que tan a menudo resulta en algo limpio y amigable para la radio, el synth-punk de MSPAINT parece hecho para fiestas en almacenes sucias, sudorosas y mal iluminadas. Su sección rítmica de drum-and-bass es contundente, sus sintetizadores están deformados y distorsionados, y su carismático vocalista, que solo se hace llamar Deedee, lidera la banda con gritos apenas melódicos que son mucho más pegadizos de lo que jamás sonarán en el papel. Las canciones son tan irregulares y agresivas como divertidas y contagiosas; es música pop para marginados y fanáticos, y MSPAINT realmente no suena como ninguna de las otras bandas que encajan en esa descripción.

“Este álbum no es lo que esperabas, sino lo que siempre quise”. Así es como el misterioso músico surcoreano Parannoul presentó After the Magic, que sigue a otros dos largometrajes y algunos EP y splits (ambos con el también artista surcoreano Asian Glow, y uno también a tres bandas con el brasileño sonhos tomam conta ), así como lanzamientos bajo otros apodos como laststar y Mydreamfever. Esos primeros lanzamientos ayudaron a construir Parannoul una base de fans de culto, y es una que ha existido casi en su totalidad en Internet; Algunas de las porristas más ruidosas de Parannoul provienen de todo el mundo, y todo esto comenzó a suceder durante el bloqueo de COVID, antes de que alguien hubiera visto a Parannoul en vivo. (Hasta donde puedo decir, Parannoul rara vez ha actuado, y nunca fuera de Corea del Sur). Los ingredientes que componen After the Magic son similares a los de los lanzamientos anteriores de Parannoul, pero este disco se siente más grande, más limpio y menos baja fidelidad. Encaja en algún lugar entre el electro-shoegaze de M83 de la era antigua, el pop glitch de The Notwist y el post-rock orientado a la voz de The Appleseed Cast, con arreglos vibrantes que no se sentirían fuera de lugar en un álbum de Sufjan Stevens. En otras palabras, esta es una música profundamente hermosa y llena de sentimiento.

La voz del cantante mexicano Peso Pluma está en todas partes en este momento. Mientras hablamos, tiene nueve sencillos en el Billboard Hot 100 como artista invitado o principal. Dos de ellas son especialmente omnipresentes, “Ella Baila Sola” de Eslabon Armado y “La Bebé” de Yng Lvcas, la primera de las cuales se convirtió en la primera canción regional mexicana en ingresar al Top 10 en la historia del Hot 100 de Billboard. comodín utilizado por las estaciones de radio que abarca rancheras, corridos, cumbias, boleros, norteño, sierreño, mariachi y otros estilos de música mexicana, y la música de Peso Pluma a menudo se clasifica específicamente como corridos tumbados, un subgénero del que Natanael fue pionero en gran parte. Cano que fusiona estilos tradicionales y acústicos de la música mexicana con elementos de estilos musicales más modernos como el hip hop y el reggaetón. Puede que Natanael haya abierto la puerta de una patada, pero Peso Pluma irrumpió y rápidamente se convirtió en el artista crossover regional mexicano más grande en mucho tiempo. Une las brechas generacionales con instrumentación que abraza la tradición, rematada con carisma, lirismo y un espíritu juvenil que ha hecho que su música resuene entre el público de la generación Z.

Peso Pluma ya tiene dos álbumes, dos álbumes en vivo, un EP e innumerables sencillos y apariciones especiales que se remontan a 2020, pero Génesis es su primer álbum desde que comenzó su meteórico ascenso y se siente listo para ser su gran avance. Sus canciones en el álbum están impulsadas principalmente por guitarras acústicas ardientes, instrumentos de viento insistentes y solo una percusión mínima, y ​​Peso Pluma lo remata con una voz y una habilidad especial para la melodía que son verdaderamente adictivas. Se destaca cuando participa en las canciones de otros artistas por lo distintivo y llamativo que siempre suena, y en Génesis mantiene esa actitud durante un álbum de 14 canciones. también trae algunos de sus impresionantes invitados, incluido el ya mencionado Natanael Cano; los compañeros artistas regionales mexicanos Junior H, Luis R Conriquez, Gabito Ballesteros, Jasiel Núñez, Darey Castro; y dos canciones con Tito Double P, el apodo del frecuente productor y coguionista de Peso Pluma, Tito Laija (cuyo reciente sencillo debut “Dembow Bélico” fusiona el bélico mexicano con el dembow dominicano). Peso Pluma también se aleja de la música mexicana al incorporar al rapero puertorriqueño Eladio Carrión en “77”. Es fácil decir sólo con este álbum por qué Peso Pluma ha podido romper las barreras regionales, culturales, lingüísticas y de género; sus canciones son innegables y realmente no se puede poner a él ni a su música en una caja.

Después de haberse ganado la reputación de ser una de las nuevas voces más brillantes del hardcore, Scowl amplía su paleta musical con su nuevo y notable EP Psychic Dance Routine. Fusiona las influencias hardcore de la banda como Negative Approach y Ceremony con bandas de rock alternativo de los 90 como Nirvana, Sonic Youth y Hole; encuentra a la vocalista Kat Moss mezclando gritos desgarradores y voces limpias e himnos; y tiene las canciones más fuertes de la banda hasta el momento. Lea nuestra nueva función en Scowl y escuche nuestro podcast con Kat para obtener más información.

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En diciembre pasado, The Sidekicks reveló que la razón por la que habían estado callados durante algunos años es que habían roto. Marcó el final de una de las bandas más queridas y frecuentemente subestimadas de los últimos 15 años, pero solo unos meses después, supimos que el cantante y guitarrista Steven Ciolek estaba centrándose en un nuevo proyecto, superviolet. Después de haber formado The Sidekicks cuando tenía 15 años y recién comenzando a escribir música, escribir con una banda fue realmente todo lo que Steven alguna vez supo, por lo que considera que Superviolet es una "pizarra limpia", una forma de probar diferentes ideas que tal vez no habrían tenido. Trabajó en un ambiente de banda. "La idea detrás de Infinite Spring como álbum era tratar de capturar ese sentimiento de apertura, posibilidad o crecimiento", dijo. Hizo el álbum en estrecha colaboración con Zac Little, líder de Saintseneca (en el que Steve también tocó), y Matty Sanders de The Sidekicks tocó la batería, por lo que, aunque es un álbum en solitario, tiene algo de la química familiar. Hemos escuchado de Steven y sus amigos a lo largo de los años. Steven tiene un estilo de composición distintivo que hace que Infinite Spring sea instantáneamente reconocible como el trabajo del líder de The Sidekicks, pero nunca antes había escrito canciones como esta. Tiende a ser un disco de folk-pop más ligero, con sólo unos pocos momentos de indie rock más fuertes, y esta vibra le sienta bien a Steven. También suena renovado como compositor e inyecta a este álbum melodías, sentimientos e imágenes vívidas que sientes en tus huesos.

Cuando finalmente regresó la música en vivo y Wednesday comenzó a tocar nuevamente, se sorprendieron al mirar a la multitud y darse cuenta de que habían creado una base de fans de caras desconocidas. "No tenía idea de que alguien que no conocíamos personalmente quisiera venir a vernos", dijo el baterista Alan Miller en una entrevista reciente con Ian Cohen para The Ringer. Su álbum de 2021, Twin Plagues, una de las verdaderas joyas del indie rock de ese año, había ido generando un boca a boca gradual y orgánicamente, y cada vez más personas se estaban dando cuenta de la música singularmente atractiva de la banda. Ese álbum fue el tercero de la banda, pero el primero con su colaborador Jake Lenderman como miembro a tiempo completo, y salió en Orindal Records, el pequeño pero confiable sello discográfico codirigido por Owen Ashworth de Advance Base y Casiotone For The. Dolorosamente solo. Jake, que también es socio de la cantante de los miércoles Karly Hartzman, también lanza música en solitario como MJ Lenderman, y su álbum de 2022 Boat Songs también generó bastante elogios, atrayendo aún más atención sobre el miércoles y el acento casual de Jake, que aparece un poco. en las canciones de los miércoles también.

El impulso que habían acumulado el miércoles les ayudó a firmar un acuerdo con Dead Oceans, el sello que alberga a artistas independientes de renombre como Phoebe Bridgers, Japanese Breakfast y Mitski, y su primer álbum para Dead Oceans, Rat Saw God, se convirtió en uno de Los álbumes de indie rock más comentados del año incluso antes de su lanzamiento oficial. Es de suponer que el álbum que Wednesday habría escrito si hubiera todos estos ojos puestos en ellos o no, pero también es el álbum perfecto para lanzar cuando estás al borde de un gran avance. Es más audaz, grandioso y absolutamente mejor que cualquier cosa que Wednesday haya lanzado antes; actualmente se erige como la mejor introducción al trabajo de esta banda.

Continuando donde lo dejó Twin Plagues, Rat Saw God es como una historia alternativa de los años 90, una en la que el country alternativo, el shoegaze y el grunge se fusionaron en una sola cosa. Los miércoles no se avergüenzan de sus influencias de la era de los 90: su álbum de versiones de 2022 incluye canciones de Drive-By Truckers, Medicine, The Smashing Pumpkins y Greg Sage de Wipers (y DBT aparece nombrado en este nuevo álbum), pero nunca suena como si estuvieran imitando a cualquiera de ellos; los beben y los escupen de una manera que suena exclusiva del miércoles. Los dos primeros sencillos del álbum son las canciones más extensas de la banda hasta el momento: “Chosen to Deserve”, de mirada country, y la épica grunge de ocho minutos y medio, “Bull Believer”, que termina con un clímax explosivo en el que Karly grita. distraer. Este es el trabajo de una banda que exige ser escuchada, y el resto de Rat Saw God hace lo mismo. Hay guitarras pesadas y ruidosas que habrían sacudido la radio de rock alternativo en los años 90, y hay momentos suaves y campestres que son perfectos para los domingos tranquilos. El canto y el estilo lírico de Karly son apasionantes y llenos de variedad, y los momentos en los que ella y Jake cantan juntos añaden una capa adicional y especial de calidez. Hay ciertos aspectos de Rat Saw God que encajan con el espíritu indie actual, pero Wednesday no parece muy preocupado por seguir las tendencias, lo que le da al álbum una calidad ya de por sí atemporal. Rat Saw God es un disco que llamaría la atención sin importar el año o la década en que se lanzara.

Sean Bowie ha pasado la mayor parte de su carrera como Yves Tumor transformándose de un experimentalista a un art-rocker audaz y glamoroso, y en este punto, la transformación está completa. Continuando donde lo dejó el EP The Asymptotical World de 2021, alabado sea un señor que mastica pero que no consume; (O simplemente, Hot Between Worlds) realmente se apoya en el material ruidoso y lleno de gancho que es perfecto para el escenario de Coachella que Yves presentó en abril. Pero como siempre, Yves aborda el rock y la música pop en sus propios términos; volverse más accesibles no significa abandonar sus tendencias extrañas o suavizar el golpe de su voz aguda y distintiva. Como siempre, Yves Tumor es un experto en combinar sonidos familiares de formas desconocidas; Praise A Lord recuerda una variedad de diferentes estilos de música, incluidos, entre otros, new wave, psicodelia, post-punk, grunge, funk, chillwave y krautrock, e Yves a menudo toca dos o más de ellos por canción. Con producción de Noah Goldstein (Frank Ocean, Kanye, Bon Iver, etc.), mezcla de Alan Moulder (My Bloody Valentine, Ride, Nine Inch Nails, etc.) y un elenco de talentosos colaboradores (incluido el destacado vocalista invitado Kidä en “Lovely Sewer”), Praise A Lord suena fantástico, con un brillo atemporal que es perfecto para la mezcla de sonidos que Yves ha suscitado.

“¿Debo sólo compartir mi dolor?” Es una pregunta que Zulu hace más de una vez en su álbum debut A New Tomorrow, refiriéndose a la forma en que a menudo se espera que los artistas negros hagan arte que refleje su trauma, en lugar de celebrar su cultura, su comunidad y su yo. Partes de Un nuevo mañana están informadas por el dolor, pero es mucho más profundo, más vasto y más festivo que eso. Habiendo comenzado como el proyecto solista de powerviolence-with-vintage-soul-samples del baterista de Dare/The Bots Anaiah Lei, Zulu ahora es una banda completa, y su sonido multigénero ahora proviene de algo más que samples. Anaiah a menudo comparte sus tareas de gritos con la baterista Christine Cadette, y el guitarrista Dez Yusuf asume la voz principal de la canción de jazz-rap del álbum "We're More Than This". Pierce Jordan de Soul Glo, Obioma Ugonna de Playytime y Paris Roberts de Truth Cult también prestan sus voces. Todavía emplean samples de soul (y reggae y afrobeat), pero también ofrecen sus propios instrumentos psicodélicos de soul y jazz. Y han llevado su desgarrador hardcore mucho más allá de la violencia poderosa, a menudo aventurándose en un territorio tan orientado al groove y bailable que encajó perfectamente cuando Zulu recreó un video de A Tribe Called Quest para una de las canciones del álbum. A New Tomorrow es el nombre perfecto para este álbum; El zulú suena como el futuro.

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